ReHuSo: Revista de Ciencias Humanísticas y Sociales ISSN 2550-6587
Cortometraje El héroe
© Facultad de Ciencias Humanísticas y Sociales. Universidad Técnica de Manabí. Portoviejo, Ecuador.
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EL CORTOMETRAJE EL HÉROE, UNA CRÍTICA DE CARLOS
CARRERA A LA MODERNIDAD
AUTOR: Kepler V. Rivadeneira Aroca
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DIRECCIÓN PARA CORRESPONDENCIA: keplerino@gmail.com
Fecha de recepción: 17-02-2016
Fecha de aceptación: 18-03-2016
Resumen
Carlos Carrera en su cortometraje El Héroe recrea una metáfora
crítica contra la modernidad, capaz de llevar al público a un
escenario de reflexión existencial. Lo hace con el siguiente
argumento: en la caótica estación del metro de ciudad de México
un anciano busca un destino y lo encuentra en la posibilidad de
salvarle la vida a una joven suicida. Su intento de heroísmo
tiene un giro inesperado. El texto audiovisual muestra el caos de
la vida moderna con personas ensimismadas en un coro de
individualidades, a otros que optan por las soluciones fáciles, y
unos pocos que se atreven a contradecir al sistema en su
propósito de trascender.
Palabras clave: cortometraje de animación; posmodernidad;
comunicación; México; psicología del color.
THE SHORT FILM THE HERO, A CRITIQUE OF CARLOS CARRERA TO
MODERNITY
Abstract
Carlos Carrera in his short film The hero recreates a critical
metaphor against modernity and to do so he uses all elements of
visual language; he is able to take the audience on a stage
existential reflection. He does so with the following argument:
in the chaotic metro station in Mexico City, an old man was
looking for his destination and he finds it in the possibility of
saving the life of a suicidal young. His attempt to become a hero
has a twist because the girl does the job, as he is accused of
degenerate. The audiovisual text show chaos of modern living with
people lost in their individuality, others take easy solutions,
and few who to contradict the system as a way to transcend.
Keywords: animated short; postmodernism; communication; Mexico;
psychology of color.
1
Magister, Docente Universidad Técnica de Manabí. Ecuador.
Kepler Rivadeneira Aroca
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Introducción
Las ciudades se han vaciado de ese espíritu integrador,
humanizante, de disfrute de las artes y las ciencias que fueron
en su momento. Han perdido ese rol de gran espacio público y hoy
son lugares caóticos, contaminados, de construcciones
individuales más que colectivas, de las que ya escaparon los
ganadores de la economía de mercado (De Santiago Rodríguez,
2008). En una metáfora crítica sobre la vorágine en que se
desarrolla la vida en las ciudades, Carlos Carrera, el cineasta
mexicano, produce El Héroe (1994), en un intento por cuestionar
el estado de inhumanidad en que se sumen las personas en la gran
metrópoli y lleva al espectador hacia una profunda reflexión
sobre lo que hace por sí mismo.
En aproximadamente cinco minutos, aborda una de las tantas
historias que se suceden en los espacios de concurrencia masiva,
en este caso el metro de la ciudad de México, Megapolis conocida
por su sobrepoblación, contaminación y sus extremos de
desigualdad entre la población más rica y la más pobre. En ese
espacio público, un anciano destaca entre humanos amorfos al
tratar de salvarle la vida a una joven suicida. La chica
finalmente termina debajo de los vagones, mientras el héroe en
ciernes es vejado y estigmatizado.
Desarrollo
Desde el inicio, se percibe la intencionalidad de Carrera como
guionista y director al crear una intriga de predestinación con
las palabras El Héroe, sobreimpuestas en un fondo negro, escena
en la que recrea el paso raudo del metro. Al final de esa
monocromía queda el vacío, un silencio que da paso a una
oscuridad absoluta. Las escenas inicial y última, se funden desde
el negro o hacia el negro, respectivamente.
La cámara, en posición cenital, muestra un plano general del
centro de la ciudad: desordenado, escasamente iluminado,
cuadriculado, atiborrado de edificios. Cae en picada hacia el
interior de la estación del metro, pero en ese lapso se escuchan
los sonidos de la selva de cemento, el caos, los vendedores y
hasta campanas, que señalan tal vez el fin de la jornada o un
guiño a la búsqueda de una explicación metafísica a las grandes
preguntas de la humanidad. También se distingue las letras ENT,
de la palabra entrada, pintadas de verde, una analogía a una
puerta de escape, una esperanza o una invitación al público para
que ingrese a su relato en ese inframundo de una en una ciudad
“tensa, contradictoria y discontinua, siempre inacabada, siempre
en construcción, generadora de una gran frustración y de un
universo de posibilidades” (Montoya, 2012).
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Inmediatamente el modo se pinta de rojo y muestra a unos
presurosos seres grotescos, deformes, calvos, cansados,
apesadumbrados, como salidos de una pintura de El Bosco. El plano
general presenta un ambiente deprimente, de grises y sombras
acentuadas en los bordes del cuadro. Todos son iguales, visten el
color de la sangre.
Durante el cortometraje, el autor utiliza estratégicamente el
color para darle fuerza dramática a su relato. El rojo es el
principal recurso de su cromática, pero también lo es el gris y
el negro, connotando así resignación, agitación, peligro,
crueldad, revolución, depresión, amenaza, muerte, miedo (Mota,
1988). “Con el color rojo indicamos todo lo del mundo real que ha
sido contaminado por la otra dimensión” (Shyamalan, citado por
Lazkano, 2014, p.101).
Carrera tiene claro lo que el color genera en el comportamiento
del público y “si bien se trata de un aspecto aparentemente
simple, su relevancia cognitiva y emocional es mucho más potente
de lo que se pueda creer” (Echeverri, 2011). Con esta
consideración se viste al protagonista con camisa amarilla y
pantalón azul, así como recurrentes tonalidades de verde en su
rostro, sugiriendo en los colores nobleza, acción, voluntad, y
algo de esperanza, aunque cuida con las sombras que el contraste
no sea tan marcado. Con su vestimenta, el personaje de unos 70
años, resalta entre el resto de seres de rojo. Su rostro es
cadavérico, enjuto.
El personaje está consciente de su situación, por eso su mirada
es melancólica. Tal vez, todavía puede dialogar consigo mismo a
diferencia de los otros, retratados como zombis porque perdieron
su capacidad de hablar con su sombra (Martín, 2014). Así como el
color está connotando, la banda sonora también es cuidada en cada
una de las escenas. El sonido de esa estación está caracterizado
por balbuceos, inentendibles conversaciones, pasos de estos seres
que se funden a primer plano con un ruido que parece salido del
interior de una vieja fábrica de la revolución industrial,
accionada por vapor. Este sonido será característico a lo largo
del film para reforzar el aspecto lúgubre de la estación.
La composición en su conjunto, modo y voz, de inicio son una
severa reprimenda del autor a la loca voracidad del sistema, que
se ha apropiado de la razón de ser de las personas. Pero cuál es
esa razón de ser. La llegada del anciano a la estación será el
disparador de esta historia con una estructura narrativa basada
en la clásica poética de Aristóteles. En adelante, la narración
recae, además de la cámara en los personajes.
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Nada que tenga trazos de humanidad sucede en este espacio, bajo
la gran ciudad. El personaje asiste a tres eventos, dos de los
cuales hubiesen generado un halo de esperanza:
a) Un policía expulsa a un anciano cuyo boleto de ingreso
a la estación está inutilizado, el sistema ha expulsado
lo viejo, lo que no sirve, en una dialéctica perversa.
b) Un niño corre inocente, feliz, pero se ve interrumpido
de súbito por una mano gorda que lo toma de la cabeza y
lo lleva al regazo de una mujer horrenda, donde espera
otro niño que suelta el llanto. El caos se hace menos
llevadero. Otra vez el sistema obeso, decadente, lo
toma todo, lo estruja.
c) El tercer momento es la sinrazón que lleva a las
personas a enfrentarse violentamente.
Estos tres hechos observados por el personaje en su periplo hacia
la parada del metro se caracterizan por su escasa iluminación y
el uso estratégico de la voz. La escena del niño es acompañada
por un silbido melancólico que ayuda a acentuar el dramatismo, lo
mismo que el llanto. Igual ocurre con la riña: Carrera evita los
insultos, basta con incorporar el sonido que genera una bestia en
ataque, el efecto de golpes y la muchedumbre que alienta lo peor
de sí, para reforzar la idea de animalidad.
Precisamente, el inicio de esos eventos constituye el segundo
punto de giro que se extiende hasta que aparece una frágil joven,
tercer punto de giro, que otea inquieta el estacionamiento del
metro. Todas las personas están listas para recibir el vagón,
algunos detuvieron su marcha como si se tratara de un andar
marcial, lo cual acentúa la sensación de vigilancia, de pérdida,
de autodeterminación de la población. Claramente asistimos a una
escena de la obra de George Orwel (2006) y recreamos la crítica
de Godina al poder vertical con su Panóptico moderno (2006).
El nuevo personaje tiene facciones delicadas: delgada, de ojos
grandes y vidriosos, cutis blanco, comisuras de los labios
caídas. Su rostro es triste, pero el rubor de sus mejillas le da
vitalidad, lo mismo que la iluminación que cae directamente sobre
su cara, distanciándola del resto. El anciano la descubre e
intuye sus intenciones. La chica quiere acabar con su existencia,
se balancea cerca al vacío. Se inicia el clímax de la historia,
se construye el héroe que salva los obstáculos en pos de un
objetivo superior, la vida.
Una mano huesuda sobre el brazo de la suicida la retiene, la
muerte tendrá que esperar un poco más, nada más. La cámara en un
plano subjetivo refuerza el encuentro de miradas entre él y ella.
El héroe tiene los ojos llorosos, sus lágrimas son de alegría,
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así lo deja ver su rostro. Por tercera vez un silbido melancólico
sube a primer plano por breves segundos y desaparece para dar
paso a los gritos de la suicida, quien rechaza el acto heroico.
Un policía torpe, el mismo que impidió la entrada de un anciano a
la estación, acude veloz. Él héroe está confundido, pide silencio
a la chica, quien persiste en sus gritos. Es capturado, vejado e
insultado en su dignidad cuando su captor le dice “ven acá (…)
degenerado” (Carrera, 1994). La frase apenas se entiende, está en
segundo plano, porque se privilegia la imagen del apresamiento.
Dos lecturas para esta frase: la persona que quiera hacer algo
diferente, que despierta para luchar por la vida y por los demás,
es tachada de degenerada porque está contra el sistema por tanto
es un paria y como tal necesita ser aislada; por otro lado,
también se observa la interpelación del autor que le grita
degenerado al régimen impuesto por la modernidad; no importa que
la voz la haya puesto en boca del mismo sistema, porque este lo
controla todo con su poder.
Nuevos planos subjetivos encuentran la mirada de los dos
personajes. El héroe, retenido por el sistema, ya no lo es más y
es tachado de idiota, mientras tanto la cámara ubicada en
contrapicado muestra a la chica lanzándose al vacío. El sonido de
la bocina del tren aumenta la sensación de vacío, de pérdida, la
cual se incrementa cuando sube a primer plano la música de cierre
del video. El fundido en negro, le pone fin a esta tragedia.
Estamos ante un vacío, ya no hay nada más. Se perdió algo
valioso, una vida.
Queda la voz de la chica que alcanza a decir una palabra antes de
quitarse la vida: “Idiota”. Idiota el anciano que logra
abstraerse de la realidad para “poder entusiasmarse todo el
tiempo por cualquier cosa que a uno le guste”, siguiendo la
definición de Cortázar (1967, p.108) para el idiota. Idiota
porque creyó que había esperanza, idiota porque no hay marcha
atrás, idiota porque no ha entendido que la muerte es el camino
para escapar.
El cortometraje de Carlos Carrera, cargado de íconos, como lo
señala Aladro (2007), utiliza “las imágenes que las metáforas
traen a la mente y que se proyectan, con un grado variable de
abstracción, de unos dominios a otros, facilita la comprensión
porque dirige la absorción de información en un sentido concreto
e inclina la elección del significado en un sentido concreto”.
La metáfora de Carrera se construye desde la narrativa del
posmodernismo para acusar a la modernidad, de hecho, son las
principales fuerzas que chocan en el relato. Al respecto, Sicilia
(1999) señala que “la posmodernidad considera que la modernidad
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falló, que perdió su oportunidad de cumplir las promesas y
profecías de la razón, que el sueño moderno fue un mal proyecto
que nos llevó al imperio vacío de la técnica. La pérdida de la
metafísica ha sido también la pérdida del sentido”.
Con su alegoría cargada de un “papel direccional semántico”
(Aladro, 2005) busca reflexiones del público sobre la locura sin
sentido del libre mercado, la velocidad de estos tiempos (Augé,
2007), la inseguridad de la metrópoli, la pérdida de identidad,
la vacuidad de este mundo líquido (Bauman, 2007; González, 2014))
en que lo importante es aparentar, acumular, andar raudo como los
personajes del mundo subterráneo de Carrera. También está el
héroe del relato un ser que se mueve en la escala humana, que se
esfuerza por alcanzar su objeto de valor (Peñamarín, 2013) aunque
su destino incierto no deje comprender del todo las implicaciones
de su acción en un espacio carente de identidad, el no lugar de
Augé.
La estación del metro es su ícono, por ahí circulan los millones
de personas que alimentan al sistema, sus líneas son sus venas
que llevan vitalidad al poder y quitan humanidad a los hombres y
mujeres.
Tabla 1. Ficha técnica: El Héroe
TÍTULO
El Héroe
DIRECCIÓN Y
GUIÓN
Carlos Carrera, galardonado realizador mexicano,
marca un antes y un después en el cine de animación
de su país puesto que sus producciones y
reconocimientos permiten que otros cineastas del
género sean apreciados en el mundo debido a la
calidad de sus trabajos.
PRODUCTOR
Pablo Bakshi
PRODUCCIÓN
Consejo Nacional para la Cultura y las Artes e
Instituto Mexicano de Cinematografía
MÚSICA
Gabriel Romo
SONIDO
Jorge Romo, Gabriel Romo
ANIMACIÓN
Carlos Carrera, Francisco Licea, Enrique Martínez,
Felipe Morales, Julio Guerrero y Héctor Arellano
EDICIÓN
Daniel Medero
CÁMARA
Jorge Mercado, Hugo Mercado
FONDOS
Germán Dávila, Lilia Riquer y Francisco Mera
COLOR
Enriqueta Martínez, Alejandra Ojeda
PAÍS
México
DURACIÓN
5 minutos, 9 segundos
AÑO
PREMIOS
1994
(1994) Palma de Oro del Festival de Internacional
del Cine de Canes.
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Cortometraje El héroe
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Conclusiones
El cortometraje animado es un eficaz vehiculador de un mensaje
crítico capaz de generar reflexiones en los espectadores respecto
a su realidad social. El Héroe logra ese cometido al constituirse
en una metáfora cargada de íconos a través del cual el autor
cuestiona la voracidad de las ciudades modernas y de las lógicas
de la economía de consumo, en detrimento los valores que
caracterizan al ser humano. Además, se remarca la necesidad de
que héroes anónimos irrumpan con la eventualidad de generar
pequeños o grandes cambios, aunque algunos apenas sean
perceptibles.
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