ReHuSo: Revista de Ciencias Humanísticas y Sociales ISSN 2550-6587
EL ALMUERZO SOBRE LA HIERBA, UN PUENTE HACIA LA MODERNIDAD
© Facultad de Ciencias Humanísticas y Sociales. Universidad Técnica de Manabí. Portoviejo, Ecuador.
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EL ALMUERZO SOBRE LA HIERBA, UN PUENTE HACIA LA
MODERNIDAD
AUTORES: Carlos A. Fernández Ferrín
1
Oscar E. Bolívar Chávez
2
Juan C. Cruz Mendoza
3
DIRECCIÓN PARA CORRESPONDENCIA: cafernandez@utm.edu.ec
Fecha de recepción: 22-05-2016
Fecha de aceptación: 21-06-2016
Resumen
El análisis de Almuerzo sobre la hierba de Manet ha evidenciado
la importancia de la pintura en la historia del arte
contemporáneo, por su influencia directa en las principales
corrientes pictóricas vanguardistas. Elementos como la
disposición de personajes y objetos, el uso del color, la
amalgama de formas, la vestimenta de las figuras secundarias, así
como la desnudez de la protagonista cuya imagen corriente
contrasta con el romanticismo pictórico dominante. El homenaje
que hace al cuerpo femenino lo convierten en figura rompedora y
uno de los primeros representantes del realismo circundante en
una época en declive. La obra muestra la relación pragmática de
lo clásico con lo moderno porque simboliza la propia realidad del
autor insertada en el medio. El reflejo de su inconformidad con
lo establecido lo catapulta como referente de un modelo de arte
atrevido, una propuesta pictórica respaldada por las teorías y
técnicas del arte renacentista y barroco pero transformada por su
identidad y visión futurista.
Palabras clave: análisis hermenéutico; ruptura; modernismo;
impresionismo.
THE LUNCH ON THE GRASS, A BRIDGE TOWARDS MODERNITY
Abstract
Analysis of lunch on the grass of Manet highlighted the
importance of the painting in the history of contemporary art,
for its direct influence on the mainstream avant-garde pictorial.
The elements as the disposal of characters and objects, the use
of the color, the amalgam of forms, the clothing of them figures
secondary, as well as the nudity of the protagonist whose image
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Magíster. Profesor en Universidad Técnica de Manabí. Ecuador.
2
Magíster. Profesor en Universidad Técnica de Manabí. Ecuador.
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Magíster. Profesor en Universidad Técnica de Manabí. Ecuador.
Carlos A. Fernández Ferrín, Oscar E. Bolívar Chávez, Juan C. Cruz Mendoza
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current contrasts with the romanticism pictorial dominant. They
become the homage that makes the female body ground-breaking
figure and one of the first representatives of the surrounding
realism at a time declining. The work shows the relationship
pragmatic of it classic with it modern because symbolizes the own
reality of the author inserted in the middle. The reflection of
their dissatisfaction with the established catapults him as
reference for a model of daring art, a pictorial proposal backed
by the theories and techniques of Renaissance and Baroque art but
transformed by their identity and futuristic vision.
Keywords: hermeneutic analysis; rupture; modernism;
impressionism.
Introducción
La Europa de finales del siglo XIX se somete a la evolución que
el arte determina, Paris se convierte en el centro de cambios
económicos, políticos y sociales que afectan a la sociedad,
hechos que la pintura artística contextualiza. Los
acontecimientos ocurridos en la colectividad francesa trajeron
consigo el fortalecimiento de la industrialización y el
proletariado como una forma de vida, y donde el comunismo hace su
aparición y con él, una oleada de pensadores que revelan los
aspectos más sensibles del cotidiano vivir de las sociedades y su
manejo público, entre otros acontecimientos que generaron un
nuevo despertar de conciencias. Desde nuestra perspectiva, el
realismo se encontraba en su apogeo en la Francia de los siglos
XVIII y XIX, maestros como Jaques Luis David, Dominique Ingres y
Teodoro Géricault, llenaban de esplendor el espíritu popular y
las cortes parisinas, la tradición imponía que el estilo
pictórico refinado impuesto por estos artistas continuara de
manera progresiva hasta fechas indeterminadas. En tiempos de
Manet, el paradigma se mantenía y Napoleón III protector de la
herencia del arte Francés opuesto a cambios estructurales en la
tradición pictórica establece una política absolutista en cuanto
a las muestras. En este sentido, la pintura representaba entre
otras consideraciones, entretenimiento para las masas y se
constituía en un factor didáctico para entender situaciones
históricas donde destacan el estoicismo y la nobleza humana.
El impresionismo sería este ente de cambio que según Bernal
(2012) “constituía una protesta contra el polvoriento arte de
gabinete imperante, con sus majestuosos temas históricos y
mitológicos, vertidos generalmente con colores oscuros, terrosos
e iluminación arbitraria” (p. 6). Lo que provocaría el despertar
de la mirada del arte hacia lo nuevo, en una época idealista que
imponía la visión de la realidad desde un punto de vista
distinto, el misticismo de la captación del momento en un sentido
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dinámico que rompe el nexo con todo lo que se entendía por arte,
pero que conectaba con el mundo de las innovaciones en el campo
médico con Mendel y las leyes de la herencia, los rayos X de
Röntgen y la vacuna antirrábica de Pasteur. Y el ámbito de la
tecnología con exponentes como Diesel, Edison y Bell. En
definitiva, fue una época de cambios y la plástica fue partícipe
de ello. Este acontecer revolucionario de la pintura, tuvo su
génesis como se ha dicho antes en un momento histórico
particular, propiciado por un hombre insatisfecho por la falta de
correspondencia con los “dictadores” del arte de la época, de
familia pudiente que no se enorgullecía de él, individuo que
busca el reconocimiento toda su vida y que solo al final de su
trayectoria lo tendría como esperaba. Inspirador de la nueva
pintura francesa, el pintor y su obra “Almuerzo sobre la hierba
“desencadenaron la tempestad de la visualidad y la apertura de
los caminos de la plástica moderna y contemporánea, por este y
otros motivos, nos enfrascamos en la examinación de esta peculiar
obra, que ciertamente ha generado en nosotros el ánimo del
estudio de su lenguaje y comprensión categórica.
Nos encontramos en un punto de quiebre del que también somos
parte, ya que el arte occidental ha estado influenciando los
estilos y estéticas; el realismo, el impresionismo y las
expresiones subsiguientes, que acogemos para la medida y, examen
de obras de arte desde su proyección primaria, y herencia,
permite apropiarnos de su valor para reformularlo; cierto es que
el sentido de globalización nos lleva a ver hacia varias
direcciones, pero la simple denominación pictórica y su
clasificación entre otros argumentos, comporta un mismo recorrido
que transita por la tradición asociada a la innovación. Por lo
antes expuesto, planteamos algunas interrogantes que nos darán la
pauta para comprender el valor histórico de la obra de Édouard
Manet: ¿Qué elementos determinan la importancia del “almuerzo
sobre la hierba”? ¿De qué forma trastoca el contexto social
histórico? ¿Qué factores convergen para que la obra sea
considerada un puente hacia la modernidad? Y ¿Qué influencia ha
ejercido en nuestro tiempo?
Desarrollo
El análisis formal de Almuerzo sobre la hierba, pintura al óleo,
figurativa, medidas de 208 cm. por 265 cm. en la que se puede
apreciar un bosque con una luz clara en el fondo que se oscurece
en el transcurso hacia el primer plano; dos hombres vestidos del
periodo histórico de Manet, se encuentran en un diálogo relajado
con una mujer desnuda que mira al espectador, esta se ilumina de
forma directa y fuerte, sentada sobre un textil azul oscuro, y
otra con un vestido desajustado de color blanco que se encuentra
en el rio, delante de toda la composición se halla el almuerzo,
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en parte regado alguno de sus elementos, como si este no fuera
del interés de los personajes, o de pronto son el remanente de lo
ya servido. Este bodegón incorporado en el cuadro destaca las
ropas de la mujer, frutas, el pan y la cesta. Asimismo, podemos
observar que las uvas se encuentran sobre sus propias hojas y una
especie de botella de licor junto a los alimentos. En la
naturaleza muerta vemos también un tratamiento de la composición,
ya que definimos perspectiva y modelado aparente, por lo que el
procedimiento de esta zona se distingue sobre todo del resto del
paisaje, que es de contextualización más ligera; pues transmite
la sensación del contraste de binarios que los posteriores
impresionistas desarrollarán con prestancia; en este caso los
tonos azulados de los ropajes se equilibran con los ocres y
naranjas de las cestas, el sombrero y los alimentos.
A los hombres es posible identificarlos como el hermano de Manet,
Gustave y su cuñado, el escultor holandés Ferdinand Leenhoff,
quienes hablan entre sí, modelos que utiliza el artista para
forjar su pintura, los cuales debieron posar en el interior del
taller, reconocibles por el tipo de ropa que llevan, sobre todo
el sombrero que utiliza el personaje de la derecha; observamos
además que la iluminación es indeterminada y no está sometida a
un punto de luz específico, sus vestimentas, propias de la época,
de colores neutros (negro, gris y blanco) contrastan con la
lozana piel de la modelo principal. Los sacos de los hombres
están compuestos por grandes manchas planas de color negro, lo
que históricamente se reconoce como uno de los elementos que
produjo rechazo por parte de los críticos, la yuxtaposición de
color tanto en la elaboración de los personajes como en el resto
del cuadro, Manet lo realiza de forma ligera y violenta lo que
crea la visualidad de choques de tonalidades marcadas.
En cuanto a la modelo del fondo, Manet trastoca deliberadamente
el régimen de composición académica, puesto que esta se encuentra
en un equilibrio inadecuado, tanto si utilizamos la perspectiva
tradicional, como si observamos los árboles y la canoa situada en
la parte derecha, se puede apreciar que las proporciones no
concuerdan; aquí encontramos una relación inminente con el
impresionismo y por ende el nacimiento y la guía hacia la nueva
forma de pintar y ver el arte. Esta escena representa un momento
impreciso y fugaz, la captación de una acción sin poses, humana y
relajada, en la que el creador utilizó una pincelada rápida y
cargada, dando incluso la sensación de que la obra no estaba
terminada, la modelo aparenta un desinterés por el resto de la
escena, ocupándose más bien de no mojar su vestido y sentir la
ligera corriente que acomete con su mano derecha.
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Lo inquietante para el público, sin temor a equívocos es la mujer
desnuda que mira al espectador. En este análisis de contenido
pictórico analizamos al aspecto divergente y rupturista del
retrato, por lo que nos enfocamos en el estudio de la técnica
empleada. Pintada con tonalidades claras, sombras poco profundas
que sobresale por el alto contraste que se da con los oscuros del
follaje y las vestimentas masculinas, este ejemplo se repetirá en
su “Olimpia” de 1863, que inspirada en la “Venus de Urbino” de
Tiziano y expuesta dos años después causa agitación, en la que la
técnica de texturas claras y poco sombrías llenan de una luz que
pareciera emanar de la propia modelo; esta forma de abordar el
cuerpo femenino tiene su origen en el estudio que Manet
realizaría de las piezas de Velásquez, el contorno poco definido
y el uso del gris para matizar las pieles son semejantes en
trabajos como la venus del espejo otro desnudo poco convencional.
Almuerzo sobre la hierba de Édouard Manet causó gran conmoción
afectando a todo el mundo cultural, constituye un reto para el
análisis de pinturas de desnudos, puesto que no se enmarcaba
dentro de los parámetros apetecidos por la sociedad artística de
aquel tiempo. Castro en su análisis sobre Dickie y la teoría de
la institucionalidad del arte argumenta que: “El público del
mundo del arte debe tener características paralelas a las del
artista, es decir, una idea general del arte y una comprensión
mínima del medio de una forma de arte particular (…) Es la
cultura la que va determinando qué es arte. Luego el círculo no
tiene por qué ser vicioso” (2013, p. 9-10). Este comentario
evidencia que la sociedad parisina no estaba preparada para
entender y valorar la obra, podríamos decir que pinturas como el
Almuerzo, revela el subconsciente del autor: rebeldía,
provocación, desmesura y otros calificativos que le evitarían
casi hasta el final de sus días el reconocimiento de los
académicos mientras que para los jóvenes impresionistas fue un
modelo a seguir. El retrato como se ha comentado es irreverente y
el nexo para que surja el arte de la modernidad, ya que rompe con
las cuantificaciones formales que imponía el salón de París del
siglo XIX. Por otra parte psicológicamente, Manet expresa
prejuicios que obedecen a su situación familiar y emocional que
repercutieron en su obra, el afán de ser aceptado y no lograrlo
produjo en él, decepciones y contrariedades. Aunque no es menos
cierto que impresionistas de la talla de Renoir o Pizarro lo
acogieron como su maestro, pese a que su incursión en la pintura
de ningún modo se considera de esta escuela, por ello resulta
difícil clasificarlo en un estilo formalmente determinado.
Retomando el estudio del Almuerzo sobre la hierba, se puede
advertir como punto de convergencia que supuso un cambio para la
renovación que tomaba en cuenta la visión del arte como si mismo,
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dejando atrás condiciones estructurales que se presentaban como
un paradigma en la pintura anterior a Manet; la innovación que se
produce a partir de este óleo de pronto no la tenía en cuenta su
autor, pero en nuestros días es un ícono que sigue siendo objeto
de estudio, de reproducción y hasta de culto en el mundo del
arte. Cabe señalar que resulta intrigante la presentación de los
personajes ¿qué llevó a Manet a componer esta obra, que quería
provocar con su exposición? cierto es que se basó también en El
juicio de Paris de Rafael, pero el gesto estético, la época y la
configuración no tenían parangón, conscientemente Manet contaba
una historia aparentemente ilógica, por lo que el espectador se
sentía desconcertado e inquieto al observarla. Si nos ponemos a
pensar, antes del almuerzo, ¿Qué obras de la historia se
presentaron de esta manera?
En una mirada retrospectiva resultará difícil encontrarla, la
desnudez en la antigüedad simbolizaba pureza, dotes de deidad
asociados a la representación mitológica o alegórica como en el
caso de Tiziano, cuyas obras más bien provocaban enaltecimiento
del personaje sírvase tomar como ejemplo: Las venus griegas o el
Renacimiento las de Botticelli y más adelante Delacroix con la
diosa que conduce a los franceses en La libertad guiando al
pueblo. Con estas referencias se puede notar el rompimiento que
produce Manet con su obra y para sus contemporáneos personificaba
obscenidad y burla; es evidente que presentó la obra al salón
esperando que sea aceptada junto a dos pinturas más, lo que no
sucedió. Sabemos que fue expuesta en la sala alterna denominada
“el salón de los rechazados” y no pasó desapercibida. Para el
escritor Emil Zola (1867) el emperador, los críticos y el público
en general mostraron rechazo hacia ella debido a que la mujer
desnuda encarnaba a una prostituta entre dos desinteresados
hombres. Así las interpretaciones de la obra pueden ser variadas
y dependen del actor, sea este pintor u observador. No obstante,
este autor también estaba consciente que las pretensiones de
Manet iban más allá de los elementos dispuestos en la composición
y que para las masas era lo primario: sexualidad, incomodidad y
vergüenza. Aquello que miraban extrañados se preguntaban ¿dónde
encaja esa mujer en la propuesta? Es decir, el tema de lo
femenino producía brotes de euforia y debate, que aún en la
actualidad es posible encontrar, pero que en la época avizoraba
el camino hacia lo novedoso y lo diferente. Esta perspectiva
produce la relación de distintas épocas; la antes de Manet, el
contexto en el que vivía y nuestros días.
Por consiguiente, la cuestión es dar valor y sentido a la obra
nueva, determinar que se trata de un retrato que provoca
confusión y ello no es una condición para desmerecerla, tal y
como señala Danto (2002) cuando refiere las condiciones de los
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objetos para atribuirles características específicas como es el
caso de las obras de arte en el mundo contemporáneo. Sin embargo,
la similitud de debate entre las épocas y la apreciación
artística sugiere la relación íntima de los contextos. Sin
embargo, una detenida mirada a esta distancia histórica permite
ver que este componente resulta positivo en cuanto a la certeza
de que constituye un puente que comunica lo tradicional con lo
moderno, lo clásico con lo vanguardista. Además, Manet era un
estudioso de la pintura clásica que conocía acerca de los
aspectos formales y simbólicos, respetaba y admiraba a los
antiguos maestros, aunque con la conciencia de provocar un cambio
de estilo en el universo pictórico, cambio que llegaría en gran
medida gracias a esta obra. Al respecto, Silenzi (2006) indica
que “el artista al expresar su “sí mismo”, expresa sus impulsos,
sentimientos y particularidad”; ello denotaba que el mundo
romántico necesitaba un giro, una nueva cosmovisión, un
rompimiento y Manet tenía la clave de este cambio en sus manos y
sus pinceles. Su posición social le permitía dedicarse a la
experimentación apoyando a jóvenes pintores que en adelante
causarían la revolución artística más importante desde el
renacimiento hasta la modernidad.
Desde “Le Déjeuner sur l'Herbe” y analizando lo femenino asociado
a la psiquis, el autor propone una incógnita en referencia a la
visualidad y el lenguaje; así tenemos que conviene clarificar
¿cuáles factores pudieron incidir para esta puesta en escena?
Manet es un perseverante, aunque en su vida escolar no fuera
ejemplo de excelencia conocía los aspectos psicológicos que se
pueden manejar en la configuración de las obras plásticas, y a
partir del psicoanálisis y Freud es posible evidenciar el juego
psicológico que determina el uso del desnudo; la simple presencia
de este incomoda al espectador en una escena de relativa
cotidianidad como una comida al aire libre, se estimaría que
genere un choque al disponerla como lo hizo el artista. En
realidad, es una situación incoherente que la mujer desnuda esté
junto a estos dos personajes de forma natural y fluida, dando a
notar que lo importante no es el almuerzo sino lo que el
observador deduce a partir de su mirada.
Referimos que “esto es porque por objeto tenemos que entender
aquello que cuenta como uno en su aparición, o lo que nos
autoriza a hablar de este ser-ahí como inflexible ser sí mismo.”
(Badiou, 2009, p. 193). Por lo tanto, el espectador asume la
pintura como una totalidad en cuanto a lo formal, al significado
y se posiciona frente a ella para tratar de comprenderla;
direccionando este particular hacia la idea de lo femenino y la
sexualidad. Conviene recordar que en este arte dominaba un canon
femenino de belleza idealizada. Con el autor encontramos a una
Carlos A. Fernández Ferrín, Oscar E. Bolívar Chávez, Juan C. Cruz Mendoza
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mujer común y corriente, sin pretensiones estéticas que se forja
a partir de un estudio, como el gesto natural de sostener la
cabeza con el brazo apoyado en el muslo, sobrepasando la postura
de las modelos convencionales del arte académico. Esto lleva a
preguntarse ¿Se trata pues de una escena erótica, sexualmente
sugerente? o ¿de una crítica hacia la hipócrita sociedad moderna
del siglo XIX? Sin duda ambos aspectos tiene el cuadro, es todo
en uno según nuestra visión; destacamos además los detalles,
pequeñas disposiciones de elementos entre ocultos que explican de
un modo la subjetividad de la escena, como la pequeña rana que se
encuentra en la parte inferior izquierda, lo que en la época era
símbolo de promiscuidad, decadencia moral y sexual. Esto nos
lleva hasta el recuerdo de las pinturas de Goya quien operaba de
forma coincidente al inscribir el sarcasmo oculto en sus
pinturas. Otra singularidad es el tamaño del lienzo, generalmente
las obras de grandes dimensiones estaban asignadas para la
narración o enaltecimiento de fastuosos acontecimientos
históricos y mitológicos, Manet desconcierta al público con su
propuesta atrevida y desencajada, desafiando al pensamiento
vigente y diciendo que su tiempo y forma de vida son importantes
también como cualquier otro hecho histórico.
Al analizar la trayectoria del maestro, encontramos que este
juego psicológico estará presente a lo largo de su vida y con
mayor énfasis en dos de sus óleos cumbres Olimpia y Un bar del
Folies-Bergère, esta última significó su aceptación por parte de
la élite que terminó por sucumbir ante los efectos de renovación
que proponía el artista. Al igual que la modelo del almuerzo, la
psicología que implica la mirada directa del personaje principal
en este cuadro llega a ser determinante. A este respecto Brea
(2004) manifiesta:
Todo sujeto está en el espacio de la representación únicamente
como efecto retórico (fantasmático) del propio poder
materializante del acto visionario, visionante. La presencia del
agente de la visión en su propio resultado (siendo que el mismo
lo es de ésta) tiene siempre este efecto fantasmagórico-
instituyente: Velázquez en Las Meninas o Jeff Wall en su revisión
del retrato de la camarera (2004, p. 96).
Significa esto, que el carácter del sujeto constituyente está
implícito en la pintura y los actos de la mirada se manifiestan
como un ente alterno a la visualidad, del que se desprenden
discursos y simbolismos que en la composición de Manet son
palpables, y después de confrontar algunos texto y videos nuestra
visión se amplía reconociendo aspectos que no se habían tenido en
cuenta. En consecuencia, las interpretaciones sobre las
pretensiones del artista al crear Le Déjeuner sur l'Herbe quedan
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siempre incompletas. Seguramente la lectura hermenéutica de
diferentes autores no tienen un núcleo específico de
convergencia, de pronto solo el propio Manet pudo presumir de
esta condición y más allá del plano formal constitutivo, se
evidencia que la importancia del óleo también radica en el gesto
estético de libertad, en el giro filosófico a lo moderno, lo
intrigante, lo perturbador y la ruptura de lo convencional.
Según Foucault y Villagrasa (2004), el autor considerado un ídolo
es un rebelde, un abanderado entre los impulsadores del arte
impresionista y guía de vanguardia. Y, aunque él nunca admitió
ser parte de ellos, la obra inspiró a los nuevos pintores para
potenciar el cambio en el arte. Sin duda y ante lo expuesto,
resulta incuestionable que sentó las bases del impresionismo.
Tendencia que toma su nombre del famoso cuadro de Monet
“Impresión sol naciente” el cual posee características básicas
propias, utilizadas con mayor o menor prestancia en las obras del
resto de los impresionistas. Los adeptos al movimiento tomaron en
consideración aspectos generales como si se tratase de una receta
para elaborar sus composiciones, particularidades como la
fugacidad de elementos constitutivos de la naturaleza, la luz y
su afectación en el espacio – tiempo, la síntesis aditiva de los
matices, la mancha vigorosa y plana de tonos brillantes, la
banalidad de los escenarios compositivos, el efecto de inmediatez
por encima de la perspectiva y el predominio del color puro y
yuxtapuesto que se reunían en la retina del espectador para
configurar la imagen final. Toda esta diversidad de elementos
tuvieron como antecedentes los trabajos de Leonardo Da Vinci y
sus estudios de las atmósferas, o los barrocos de Velásquez y
Rembrandt en el uso de la mancha directa con contrastes de sombra
y luz, el tratamiento del paisaje de los ingleses Constable y
Turner y desde luego la transición provocada por Goya y
Delacroix. No obstante, Manet y su Almuerzo recopilan en muchos
sentidos los componentes citados del nuevo arte, igual que el
positivismo conlleva a la búsqueda del verismo, el arte moderno
se compromete a plasmar la realidad visual, factor clave y
constituyente de la pintura. Obras como el El bebedor de absenta
o Mujer con sombrero café proponían lo que más tarde se conocería
como el derrocamiento estructural de la pintura romántica.
En esencia la obra representa lo que Gadamer. (1991) manifiesta
en La actualidad de lo bello cuando menciona que Le Déjeuner sur
l'Herbe personifica la conexión entre la tradición y la
modernidad del arte de occidente, sustentando la estética
contemporánea y conceptualizando la reflexión de significados de
las substancias en las obras de arte. En este sentido,
encontramos a Jeff Wall quien en sus remakes contemporáneos se
apropia del sentido artístico de Manet y su obra. Acerca de este
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último, Castro (2012) indica que aunque refleja el momento
actual, el compromiso con la realidad social, histórica y puntual
del artista, su obra The Storyteller recupera el posicionamiento
de las figuras del Almuerzo sobre la hierba. La múltiple
asociación de elementos de diversa índole en su análisis
hermenéutico se lo puede visualizar en el siguiente esquema.
ESQUEMA 1
HERMENÉUTICO DE “LE DÉJEUNER SUR L'HERBE”
Elaborado en base a Rojas, 2011, p. 54.
En esta sinopsis se evidencia la importancia del contexto, la
expresión, la institucionalidad, el contenido, los significados y
la interpretación. Elementos todos de un perfil pictórico que ha
trascendido en el tiempo. Y que más de cien años después continua
vigente. Tal es así que sus innovaciones estéticas han aportado
de forma significativa a corrientes artísticas como el
Abstraccionismo que se apoya en colores y formas que dan al
pintor un papel protagónico en cuanto a la elección compositiva;
Expresión Formal
Pintura al óleo
Contenido Formal
Realismo -
Figurativo
Substancia del
contenido
Ruptura de las
formalidades del arte
académico – Nueva
visualidad de la
pintura
Le Déjeuner sur l'Herbe
Universo de
significados
Declive de la pintura
romántica – Bases del
impresionismo –
Figuración de la
realidad moderna -
Importancia de la
expresión
psicológica.
Contexto social
Revolución en la
medicina, generación
de inventos, Estrictas
normas en el arte
Reconstrucción
Estudio del lenguaje
corporal – Realidad
visual - Subjetividad
de la escena – Símbolo
de la cultura moderna
- Gesto estético de
libertad.
Interpretación
Lenguaje de lo
femenino - Provocación
a una sociedad
hipócrita – Sexualidad
- sentido de lo
ilógico
Institucionalidad
Museo de Orsay
(París)
Substancia de la
expresión
En un bosque dos hombres
vestidos conversan junto
a una mujer desnuda que
mira al espectador y
otra vestida en un rio.
Lógica cultural -
Tradición
Expresión de la
cultura occidental,
Neoclasicismo,
Romanticismo,
Impresionismo
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el Expresionismo cuyo estilo artístico enfrentado a la realidad
objetiva se sustenta en el contenido social y psicológico y, el
Pop art que parte de elementos cotidianos tomados de la cultura
popular para convertirlos en objetos artísticos.
Conclusión
La obra y su autor constituyen un puente hacia lo que se denomina
arte moderno. El reflejo de su inconformidad con lo establecido
lo catapulta como referente de un nuevo modelo vanguardista en el
arte, una propuesta pictórica respaldada por las teorías y
técnicas del arte renacentista y barroco pero transformada por su
identidad y visión. Los elementos de su obra se convierten en
expresiones visuales de un mundo en pleno cambio en el que el uso
del color puro que se mezcla en la retina del espectador
propiciando nuevas tonalidades y distribuciones lumínicas. Todo
ello constituye la génesis para la conformación de las
principales tendencias artísticas del siglo XX. Por tanto,
Almuerzo sobre la hierba desprejuicia el accionar humano y
sepulta la retórica de una época impregnando al mundo de su
substancia artística; sin embargo, no descuida la estética
pictórica figurativa y representativa de la realidad ya que sus
modelos son personas que están en su entorno a los que representa
con naturalismo y sin poses, que forman parte de un paisaje
social y por tanto de la historia. En el Almuerzo es posible
notar todos estos aspectos compositivos que hasta la fecha son
objeto de culto, motivo de análisis, admiración y crítica por los
que de alguna manera se encuentran ligados al arte y la cultura.
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